2022-2023 | 123e saison

Le voyage cosmique d'une symphonie

L'Orchestre de Philadelphie

L'Orchestre de Philadelphie de renommée mondiale s'efforce de partager le pouvoir transformateur de la musique avec le public le plus large possible et de créer de la joie, des liens et de l'excitation à travers la musique dans la région de Philadelphie, à travers le pays et dans le monde. Grâce à une programmation innovante, des initiatives éducatives solides, un engagement envers ses diverses communautés et l'acceptation de la portée numérique, l'Ensemble crée un avenir expansif pour la musique classique et fait progresser la place des arts dans une société ouverte et démocratique. En juin 2021, l'Orchestre et sa maison, le Kimmel Center, ont fusionné avec l'Orchestre de Philadelphie et le Kimmel Center, Inc. pour réinventer le pouvoir des arts d'apporter de la joie, de créer une communauté et d'effectuer des changements. Ce concert - une odyssée paradisiaque - commence par la Suite du Zodiaque de la compositrice et pianiste Mary Lou Williams, qui a travaillé en étroite collaboration avec de nombreux grands noms du jazz du milieu du XXe siècle. Inspirée des 12 signes astrologiques, chacune des sections est basée sur des personnes qu'elle a connues dans son monde créatif.

Mary Lou Williams : enfant prodige à légende du jazz

Mary Lou Williams est née Mary Elfrieda Scruggs le 8 mai 1910 à Atlanta, en Géorgie. Son père a quitté la famille peu de temps après sa naissance et sa mère, Virginia Winn, a épousé le beau-père de William, Fletcher Burley. Lorsque Williams avait quatre ans, sa mère et son beau-père ont déménagé la famille à Pittsburgh, en Pennsylvanie. C'est vers cet âge que la mère de William lui a appris à jouer du piano. Williams avait une excellente maîtrise de l'instrument et a appris à jouer du ragtime, du boogie-woogie et du blues, ainsi que des styles populaires et classiques. Les familles blanches à proximité ont été bouleversées lorsque la famille afro-américaine de Williams a emménagé dans leur quartier d'East Liberty et l'a harcelée, elle et ses parents, jetant même des briques sur leur maison. Cependant, lorsqu'ils ont découvert son remarquable talent de pianiste, le harcèlement a pris fin et Williams a même donné des concerts privés pour des familles blanches à Pittsburgh, ce qui lui a valu le surnom de "la petite pianiste d'East Liberty".

Williams a étudié la musique au Westinghouse Junior High School de Pittsburgh. À l'âge de 15 ans, elle était en tournée avec un petit groupe accompagnant un spectacle de variétés. Williams a fait face à l'hostilité des managers et des collègues musiciens qui ne voulaient pas qu'une femme se produise dans le groupe, mais le saxophoniste du groupe John Williams a défendu le droit de Williams de jouer avec eux. Elle l'épousera plus tard mais divorcera quelques années plus tard. En 1945, l'Orchestre philharmonique de New York a interprété sa composition "Zodiac Suite", dans laquelle elle a interprété quatre sections, chacune dans le style de différents musiciens, et un mélange de jazz et de classique. La tension physique du programme de représentation rigoureux de William a fini par faire des ravages et, au milieu des années 1950, elle a pris une pause de trois ans dans les apparitions publiques. À cette époque, elle se convertit au catholicisme et fonda la Fondation Bel Canto pour aider les musiciens de jazz aux prises avec la toxicomanie. En 1957, elle est devenue l'une des principales défenseures du jazz et s'est consacrée à l'éducation des jeunes Afro-Américains sur leur héritage musical. Williams a reçu une bourse Guggenheim (1972-1973) et a été nommée artiste en résidence à l'Université Duke en 1977, où elle a dirigé l'orchestre de jazz et enseigné l'histoire du jazz. Williams est décédé chez lui à Durham, en Caroline du Nord, le 28 mai 1981.

Field Hollers to Jazz : The

Développement de la musique afro-américaine

La musique jazz est née à la Nouvelle-Orléans à la fin des années 1800 et est née de l'expérience afro-américaine. Un site important dans le développement du jazz était Congo Square, une place publique à la Nouvelle-Orléans où les Africains réduits en esclavage et les personnes libres de couleur se rassemblaient le dimanche pour chanter, danser et jouer de la musique. Ces rassemblements étaient un échange culturel important car des personnes de différents groupes ethniques africains partageaient leur musique et leurs rythmes. Au fil du temps, la musique jouée à Congo Square a également commencé à incorporer des éléments de musique européenne, tels que B. Cuivres et fanfares de style militaire. Buddy Bolden - un cornetiste, était un chef d'orchestre afro-américain qui a été surnommé le "premier homme du jazz" et a cimenté sa place dans l'histoire du jazz. Certains autres musiciens de jazz afro-américains de l'époque étaient Mutt Carey, Bunk Johnson et Joe Oliver.

De nombreux musiciens de jazz de l'époque, tels que Louis Armstrong, ont commencé à jouer dans les clubs et les bars de la Nouvelle-Orléans, et la ville est devenue connue comme un centre de musique jazz. Alors que certains sous-genres de jazz ont un sens distinct de la mélodie, de l'harmonie et du rythme, le jazz en général est un genre qui incarne la liberté musicale du jeu en solo à l'appel et à la réponse. Malgré sa popularité, la musique jazz a souvent été considérée comme controversée, en partie en raison de son association avec la culture afro-américaine. De nombreux musiciens de jazz ont été victimes de discrimination et de difficultés tout au long de leur carrière, mais ils ont persévéré et leur musique continue d'inspirer et d'influencer les gens du monde entier aujourd'hui. Écoutez cette courte histoire du jazz.

Liens : La place du Congo reste un symbole important de l'échange culturel et de l'innovation musicale qui a engendré le jazz et est maintenant reconnue comme un monument historique national. Droite : Bande de graisse

Un voyage à travers les étoiles

La performance elle-même a commencé par la narration par la narratrice Charlotte Blake Alston puis s'est poursuivie avec l'ouverture de la suite Zodiac . Bélier, Taureau et Gémeaux ont été joués par le clarinettiste Evan Christopher. Le solo de Christopher est celui qui vous a définitivement emmené dans les étoiles. Il se tenait sur scène avec une grande confiance, se balançant avec la symphonie et dansant sans effort ses doigts sur l'instrument. À chaque note, Christopher a donné vie à l'esprit soul du jazz, créant une symphonie édifiante qui a laissé le public en redemander. Ses interactions avec les membres du concert ne me sont pas non plus restées cachées. Avant et après chaque performance en solo, il frappait toujours les deux autres membres et leur disait qu'ils s'en sortaient bien. Cela m'a vraiment impressionné car je pouvais clairement voir à quel point il était athlétique et attentionné envers son équipe. Le prochain signe du zodiaque, Cancer, a été joué par Nicole Glover, saxophoniste ténor. Lorsque Nicole commence à jouer, c'est comme si l'instrument devenait une extension de son propre corps, lui permettant d'exprimer ses sentiments les plus profonds à chaque note. Elle avait un excellent contrôle de la respiration, lui permettant de maintenir des sons longs et expressifs qui persistaient longtemps après la fin de la musique. Il faut beaucoup de dextérité pour garder autant de contrôle sur son corps, et Glover l'a fait tout en maintenant sa posture droite. Lion, Vierge et Balance ont ensuite été suivis par Brandon Lee, qui jouait de la trompette. Le son de la trompette de Lee traversa l'air. Pas étonnant qu'il ait "gagné son premier Grammy en tant que sideman sur l'album du big band de Christian McBride, Bringin' It". Le jeu de Lee était comme un portail vers l'âme du jazz de la Nouvelle-Orléans, la musique qui crée un monde vibrant où vous vous sentez chez vous même si vous n'y êtes jamais allé.

Les quatre signes du zodiaque suivants, Scorpion, Sagittaire, Capricorne et Verseau, étaient accompagnés du trio Aaron Diehl, qui comprenait Aaron Diehl, David Wong et Aaron Kimmel. Chaque membre du trio a apporté ses talents uniques pour créer un son riche et complexe qui a contribué au son cohérent et dynamique du groupe. Une personne qui a particulièrement attiré mon attention était Aaron Kimmel. Sa batterie est un mélange parfait de puissance et de subtilité. Quand je pensais à un batteur et à ce qu'il faisait, j'imaginais toujours jouer de la batterie comme dans un groupe de rock. Kimmel m'a prouvé que j'avais tort, et même si sa batterie était à peine là, cela a ajouté à l'expérience globale et à la cohésion de l'orchestre. Il était capable d'articuler le son et savait quand jouer doucement, et même sa performance en solo a prouvé son talent insondable.

Les Poissons, le dernier signe du zodiaque, ont été interprétés par Alicia Hall Moran, mezzo-soprano. Dans une interview avec Essence, Hall a dit un jour : "Quand je joue, je m'inquiète vraiment pour le corps. J'aime suivre non seulement les rythmes de la musique, mais aussi mon propre corps et comment je veux réagir au rythme, au son qui sort de ma propre bouche. » Hall ne mentait pas quand elle a dit cela. elle a quitté la scène, au moment où elle a franchi les portes de la scène, son aplomb a attiré l'attention, comme si elle était sur le point de sortir chercher un Grammy et de prononcer son discours de renommée mondiale, son élégance en disait long et son opéra la voix, avec sa gamme et son contrôle impressionnants, a créé un son profondément émouvant.

Musique sans frontières

La musique a toujours été un outil puissant pour rassembler les gens et faire tomber les barrières. Dans le monde de la musique classique, briser les frontières signifie embrasser la diversité et reconnaître la valeur des différentes perspectives et expériences, et les utiliser pour enrichir la musique et créer une connexion plus significative avec le public. Au cœur de la suppression des frontières dans l'orchestre et de la création d'un environnement véritablement inclusif, il faut reconnaître que la musique est pour tout le monde. C'est une langue universelle qui peut transcender les barrières culturelles et sociétales et connecter les gens comme peu d'autres choses le peuvent. Au sein du public, j'ai vu la diversité du public, tous réunis dans une salle fermée, attendant avec impatience la représentation. J'ai eu l'occasion de parler de la musique avec une autre personne d'une race différente qui était assise à côté de moi et il m'a donné un aperçu des interprètes car ce n'était pas son premier rodéo. Nous avons eu une excellente conversation pendant la pause et j'ai promis que ce ne serait pas ma dernière visite à l'orchestre.

Pendant des années, les orchestres étaient majoritairement blancs et masculins, et les musiciens de couleur étaient souvent confrontés à des obstacles à l'entrée et à l'avancement. Cependant, avec les interprètes de l'orchestre, j'ai vu l'inclusion de personnes d'horizons et de sexes différents, y compris des personnes d'origine asiatique, des Américains blancs, des Latinas et des Afro-Américains. Certes, il y a eu très peu d'interprètes afro-américains et il reste encore beaucoup à faire dans le monde de la musique classique. Cependant, les progrès réalisés par des orchestres comme l'Orchestre de Philadelphie démontrent la puissance d'un engagement en faveur de l'inclusion.

Réflexions

Assister à la représentation "Celestial Odyssey" de l'Orchestre de Philadelphie a été une expérience incroyable qui a dépassé toutes mes attentes. En tant que visiteur pour la première fois, j'ai été époustouflé par la beauté et la puissance de la musique et j'ai été vraiment hypnotisé par le talent et la précision des musiciens. À la barre se trouvait le chef d'orchestre, dont la vitesse et la précision ont propulsé les musiciens pour créer une performance vraiment hors de ce monde. A chaque mouvement de ses mains, il semblait entrelacer les notes avec un son à la fois complexe et éthéré. Il bougeait à chaque battement, se balançant au rythme et laissant son corps parler. Honnêtement, cela m'a brisé le cœur et m'a donné envie de voir plus de ses performances exceptionnelles.

Au fur et à mesure que la performance se déroulait, j'étais complètement immergé dans la musique et transporté dans un autre monde. Le son était envoûtant et joyeux à la fois, avec des moments d'une intensité incroyable et d'autres de pure sérénité. Bien que j'avais de grandes attentes pour la performance, j'ai été complètement époustouflé par ce que j'ai vu et entendu. Les musiciens ont joué avec talent et passion, et la direction du chef a fait ressortir le meilleur de chacun d'eux. Il était clair que toutes les personnes impliquées dans la production étaient profondément engagées dans leur métier, et leur dévouement était évident dans chaque note qu'elles jouaient. Le violon solo dirigeait l'orchestre et jouait de son instrument avec confiance et grâce. Ses doigts dansaient sur les cordes du violon, créant un son qui captivait le public. Non seulement ses doigts dansaient sur les cordes, mais aussi son corps portant la mélodie. Je me suis retrouvé à bouger ma tête avec elle et à taper du pied au son.

En quittant le spectacle, je me suis senti à la fois énergisé et profondément ému par ce que j'avais vécu. J'ai tout de suite su que je voulais revenir et découvrir davantage ce que l'Orchestre de Philadelphie avait à offrir. Ce fut vraiment une odyssée paradisiaque qui m'a laissé un sentiment d'émerveillement et d'admiration et une profonde appréciation du pouvoir de la musique pour nous transporter et nous transformer.