2022–2023 | 123. Saison

Die kosmische Reise einer Symphonie

Das Philadelphia Orchestra

Das weltberühmte Philadelphia Orchestra ist bestrebt, die transformative Kraft der Musik mit einem möglichst breiten Publikum zu teilen und durch Musik in der Region Philadelphia, im ganzen Land und auf der ganzen Welt Freude, Verbundenheit und Aufregung zu schaffen. Durch innovative Programme, solide Bildungsinitiativen, ein Engagement für seine vielfältigen Gemeinschaften und die Akzeptanz digitaler Reichweite schafft das Ensemble eine expansive Zukunft für klassische Musik und fördert den Stellenwert der Künste in einer offenen und demokratischen Gesellschaft. Im Juni 2021 haben sich das Orchester und sein Zuhause, das Kimmel Center, zu The Philadelphia Orchestra und Kimmel Center, Inc. zusammengeschlossen, um die Kraft der Künste neu zu erfinden, um Freude zu bringen, Gemeinschaft zu schaffen und Veränderungen zu bewirken. Dieses Konzert – eine himmlische Odyssee – beginnt mit der Zodiac Suite der Komponistin und Pianistin Mary Lou Williams, die eng mit vielen Jazzgrößen der Mitte des 20. Jahrhunderts zusammengearbeitet hat. Inspiriert von den 12 astrologischen Zeichen basiert jeder der Abschnitte auf Menschen, die sie aus ihrer kreativen Welt kannte.

Mary Lou Williams: Wunderkind zur Jazzlegende

Mary Lou Williams wurde am 8. Mai 1910 in Atlanta, Georgia, als Mary Elfrieda Scruggs geboren. Ihr Vater verließ die Familie kurz nach ihrer Geburt und ihre Mutter Virginia Winn Sie heiratete Williams Stiefvater Fletcher Burley. Als Williams vier Jahre alt war, zogen ihre Mutter und ihr Stiefvater mit der Familie nach Pittsburgh, Pennsylvania. Ungefähr in diesem Alter brachte Williams Mutter ihr das Klavierspielen bei. Williams beherrschte das Instrument hervorragend und lernte Ragtime, Boogie-Woogie und Blues sowie populäre und klassische Stile zu spielen. Weiße Familien in der Nähe waren verärgert, als Williams’ afroamerikanische Familie in ihr Viertel East Liberty zog und sie und ihre Eltern belästigten und sogar Ziegelsteine auf ihr Haus warfen. Als sie jedoch ihr bemerkenswertes Klaviertalent entdeckten, endeten die Belästigungen und Williams gab sogar Privatkonzerte für weiße Familien in Pittsburgh, was ihr den Spitznamen „das kleine Klaviermädchen von East Liberty“ einbrachte.

Williams studierte Musik an der Westinghouse Junior High School in Pittsburgh. Mit 15 Jahren war sie mit einer kleinen Band unterwegs, die einen Varieté-Auftritt begleitete. Williams stieß auf Feindseligkeit von Managern und Musikerkollegen, die nicht wollten, dass eine Frau in der Band auftritt, aber der Saxophonist der Band, John Williams, setzte sich für Williams Recht ein, mit ihnen zu spielen. Sie würde ihn später heiraten, sich aber einige Jahre später scheiden lassen. 1945 führte das New York Philharmonic Orchestra ihre Komposition „Zodiac Suite“ auf, in der sie auftrat vier Sektionen, jede im Stil verschiedener Musiker, und eine Mischung aus Jazz und Klassik. Die körperliche Belastung durch Williams strengen Auftrittsplan forderte schließlich ihren Tribut, und Mitte der 1950er-Jahre legte sie eine dreijährige Pause von öffentlichen Auftritten ein. Etwa zu dieser Zeit konvertierte sie zum Katholizismus und gründete die Bel Canto Foundation, um Jazzmusikern zu helfen, die mit Drogenmissbrauch zu kämpfen haben. 1957 wurde sie zu einer führenden Verfechterin des Jazz und widmete sich der Aufklärung junger Afroamerikaner über ihr musikalisches Erbe. Williams erhielt ein Guggenheim-Stipendium (1972-1973) und wurde 1977 zum Artist-in-Residence an der Duke University ernannt, wo sie das Jazzorchester leitete und Jazzgeschichte lehrte. Williams starb am 28. Mai 1981 zu Hause in Durham, North Carolina.

Field Hollers to Jazz: The

Entwicklung der afroamerikanischen Musik

Jazzmusik entstand Ende des 19. Jahrhunderts in New Orleans und entstand aus der afroamerikanischen Erfahrung. Ein wichtiger Ort in der Entwicklung des Jazz war der Congo Square, ein öffentlicher Platz in New Orleans, wo sich versklavte Afrikaner und freie Farbige sonntags versammelten, um zu singen, zu tanzen und Musik zu spielen. Diese Treffen waren ein wichtiger kultureller Austausch, da Menschen aus verschiedenen afrikanischen ethnischen Gruppen ihre Musik und Rhythmen miteinander teilten. Im Laufe der Zeit begann die Musik, die auf dem Congo Square gespielt wurde, auch Elemente der europäischen Musik zu integrieren, wie z. B. Blechblasinstrumente und Marschkapellen im Militärstil. Buddy Bolden – ein Kornettist, war ein afroamerikanischer Bandleader, der als „erster Mann des Jazz“ bezeichnet wurde und seinen Platz in der Jazzgeschichte festigte. Einige andere afroamerikanische Jazzmusiker der damaligen Zeit waren Mutt Carey, Bunk Johnson und Joe Oliver.

Viele Jazzmusiker der damaligen Zeit, wie Louis Armstrong, begannen in den Clubs und Bars von New Orleans zu spielen, und die Stadt wurde als Zentrum für Jazzmusik bekannt . Während einige Subgenres des Jazz einen ausgeprägten Sinn für Melodie, Harmonie und Rhythmus haben, ist Jazz im Allgemeinen ein Genre, das musikalische Freiheit vom Solospiel bis hin zu Call-and-Responses verkörpert. Trotz ihrer Popularität wurde Jazzmusik teilweise aufgrund ihrer Verbindung mit der afroamerikanischen Kultur oft als kontrovers angesehen. Viele Jazzmusiker waren während ihrer Karriere Diskriminierung und Not ausgesetzt, aber sie hielten durch, und ihre Musik inspiriert und beeinflusst auch heute noch Menschen auf der ganzen Welt. Hören Sie sich diese kurze Geschichte des Jazz an.

Links: Der Congo Square bleibt ein wichtiges Symbol für den kulturellen Austausch und die musikalische Innovation, die den Jazz hervorgebracht haben, und ist heute als nationales historisches Wahrzeichen anerkannt. Rechts: Fettes Band

Eine Reise durch die Sterne

Die Aufführung selbst begann mit dem Geschichtenerzählen von Sprecherin Charlotte Blake Alston und wurde dann mit der Zodiac Suite eröffnet . Widder, Stier und Zwillinge wurden vom Klarinettisten Evan Christopher gespielt. Christophers Solo war eines, das Sie definitiv zu den Sternen geführt hat. Er stand sehr selbstbewusst auf der Bühne, wiegte sich mit der Symphonie und ließ seine Finger mühelos über das Instrument tanzen. Mit jeder Note erweckte Christopher den gefühlvollen Geist des Jazz zum Leben und schuf eine erhebende Symphonie, die das Publikum nach mehr verlangte. Auch seine Interaktionen mit den Konzertmitgliedern blieben mir nicht verborgen. Vor und nach jedem Solo-Auftritt hat er die anderen beiden Mitglieder immer mit der Faust gestoßen und ihnen gesagt, dass sie es großartig gemacht haben. Das hat mich wirklich beeindruckt, da ich deutlich sehen konnte, wie sportlich und fürsorglich er seinem Team gegenüber war. Das nächste Sternzeichen, Krebs, wurde von Nicole Glover, Tenorsaxophonistin, gespielt. Als Nicole zu spielen beginnt, ist es, als würde das Instrument zu einer Erweiterung ihres eigenen Körpers, wodurch sie ihre tiefsten Gefühle mit jeder Note ausdrücken kann. Sie hatte eine großartige Atemkontrolle, wodurch sie lange, ausdrucksstarke Klänge aushalten konnte, die noch lange nach dem Ende der Musik in Erinnerung bleiben. Es erfordert eine ziemliche Geschicklichkeit, um so viel Kontrolle über den eigenen Körper zu behalten, und Glover tat genau das, während sie ihre aufrechte Haltung beibehielt. Auf Löwe, Jungfrau und Waage folgte dann Brandon Lee, der Trompete spielte. Der Klang von Lees Trompete war wie ein Schnitt durch die Luft. Kein Wunder, dass er "seinen ersten Grammy als Sideman auf Christian McBrides Big-Band-Album "Bringin' It" erhielt". Lees Spiel war wie ein Portal zur Seele des New Orleans Jazz, der Musik, die eine pulsierende Welt erschafft, in der man sich wie zu Hause fühlt, auch wenn man noch nie dort war.

Die nächsten vier Tierkreiszeichen, Skorpion, Schütze, Steinbock und Wassermann, wurden vom Aaron Diehl Trio begleitet, dem Aaron Diehl, David Wong und Aaron Kimmel angehörten. Jedes Mitglied des Trios brachte seine einzigartigen Talente ein, um einen satten und komplexen Sound zu kreieren, der zum zusammenhängenden und dynamischen Sound der Gruppe beitrug. Eine Person, die mir besonders aufgefallen ist, war Aaron Kimmel. Sein Schlagzeugspiel ist eine perfekte Mischung aus Kraft und Subtilität. Wenn ich früher an einen Drummer dachte und was er tat, hatte ich immer die Vorstellung von hartem Schlagzeugspiel wie in einer Rockband. Kimmel hat mir das Gegenteil bewiesen, und obwohl sein Schlagzeugspiel kaum vorhanden war, trug es zum Gesamterlebnis und Zusammenhalt des Orchesters bei. Er war in der Lage, den Klang zu artikulieren und wusste, wann er leise spielen musste, und sogar seine Solo-Performance bewies seine unergründlichen Fähigkeiten.

Fische, das letzte Sternzeichen, wurde von Alicia Hall Moran, Mezzosopran, aufgeführt. In einem Interview mit Essence sagte Hall einmal: „Wenn ich auftrete, mache ich mir wirklich Sorgen um den Körper. Ich mag es, nicht nur den Rhythmen der Musik zu folgen, sondern auch meinem eigenen Körper und wie ich auf den Rhythmus reagieren möchte das Geräusch, das aus meinem eigenen Mund kommt." Hall hat nicht gelogen, als sie das sagte. In dem Moment, in dem sie die Bühne verließ, in dem Moment, in dem sie durch die Türen zur Bühne trat, fiel ihre Haltung auf, als würde sie herauskommen, um einen Grammy entgegenzunehmen und ihre weltberühmte Rede zu halten. Ihre Eleganz sprach Bände, und ihre Opernstimme mit ihrer beeindruckenden Reichweite und Kontrolle schuf einen Klang, der tief bewegte.

Musik ohne Grenzen

Musik war schon immer ein mächtiges Werkzeug, um Menschen zusammenzubringen und Barrieren abzubauen. In der Welt der klassischen Musik bedeutet das Brechen von Grenzen, Vielfalt anzunehmen und den Wert unterschiedlicher Perspektiven und Erfahrungen zu erkennen und diese zu nutzen, um die Musik zu bereichern und eine sinnvollere Verbindung mit dem Publikum herzustellen. Das Herzstück der Überwindung von Grenzen im Orchester und der Schaffung eines wahrhaft integrativen Umfelds ist die Erkenntnis, dass Musik für alle da ist. Es ist eine universelle Sprache, die kulturelle und gesellschaftliche Barrieren überwinden und Menschen auf eine Weise verbinden kann, wie es nur wenige andere Dinge können. Innerhalb des Publikums sah ich die Vielfalt der Zuschauer, die alle in einem geschlossenen Raum versammelt waren und gespannt auf die Aufführung warteten. Ich hatte die Gelegenheit, mit einer anderen Person einer anderen Rasse, die neben mir saß, über das Musikstück zu sprechen, und er gab mir Einblick in die Darsteller, da es nicht sein erstes Rodeo gewesen war. Wir hatten ein tolles Gespräch in der Pause und ich versprach, dass dies nicht mein letzter Orchesterbesuch sein würde.

Jahrelang waren Orchester überwiegend weiß und männlich, und farbige Musiker sahen sich oft mit Eintritts- und Aufstiegsbarrieren konfrontiert. Bei den Orchesterdarstellern sah ich jedoch die Inklusivität von Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund und Geschlecht, darunter Menschen mit asiatischem Erbe, weiße Amerikaner, Latinas und Afroamerikaner. Zugegeben, es gab nur sehr wenige afroamerikanische Interpreten und es gibt noch viel zu tun in der Welt der klassischen Musik. Die Fortschritte, die Orchester wie das Philadelphia Orchestra erzielt haben, beweisen jedoch die Kraft des Engagements für Inklusion.

Reflexionen

Der Teilnahme an der „Celestial Odyssey“-Aufführung des Philadelphia Orchestra war eine unglaubliche Erfahrung, die alle meine Erwartungen übertroffen hat. Als Erstbesucher war ich überwältigt von der schieren Schönheit und Kraft der Musik und war wirklich fasziniert von dem Können und der Präzision der Musiker. An der Spitze stand der Dirigent, dessen Geschwindigkeit und Präzision die Musiker dazu brachten, eine Aufführung zu schaffen, die wirklich nicht von dieser Welt war. Mit jeder Bewegung seiner Hände schien er die Noten mit einem Klang zu verweben, der sowohl komplex als auch ätherisch war. Er bewegte sich mit jedem einzelnen Schlag, wiegte sich im Rhythmus und ließ seinen Körper sprechen. Es hat mir ehrlich gesagt das Herz zerrissen und dazu geführt, dass ich mehr von seiner herausragenden Leistung sehen wollte.

Als sich die Aufführung entfaltete, war ich völlig in die Musik versunken und in eine andere Welt versetzt. Der Klang war gleichzeitig eindringlich und fröhlich, mit Momenten von unglaublicher Intensität und anderen von reiner Gelassenheit. Obwohl ich hohe Erwartungen an die Aufführung hatte, war ich völlig überwältigt von dem, was ich sah und hörte. Die Musiker spielten mit Können und Leidenschaft, und die Leitung des Dirigenten holte das Beste aus jedem von ihnen heraus. Es war klar, dass alle an der Produktion Beteiligten ihrem Handwerk sehr verpflichtet waren, und ihre Hingabe war in jeder Note, die sie spielten, offensichtlich. Die Geigenkonzertmeisterin stand an der Spitze des Orchesters und führte ihr Instrument selbstbewusst und anmutig. Ihre Finger tanzten über die Saiten der Geige und erzeugten einen Klang, der das Publikum fesselte. Nicht nur ihre Finger tanzten auf den Saiten, sondern auch ihr Körper, der die Melodie trug. Ich stellte fest, dass ich meinen Kopf mit ihr bewegte und mit meinen Füßen zu dem Geräusch wippte.

Als ich die Aufführung verließ, fühlte ich mich von dem, was ich erlebt hatte, sowohl energiegeladen als auch tief bewegt. Ich wusste sofort, dass ich zurückkommen und mehr von dem erleben wollte, was das Philadelphia Orchestra zu bieten hatte. Dies war wirklich eine himmlische Odyssee, die mich mit einem Gefühl des Staunens und der Ehrfurcht und einer tiefen Wertschätzung für die Kraft der Musik, uns zu transportieren und zu verändern, zurückließ.